{"id":2001,"date":"2013-03-07T18:50:15","date_gmt":"2013-03-07T18:50:15","guid":{"rendered":"http:\/\/www.alberovagabondo.it\/?p=2001"},"modified":"2015-12-09T17:10:55","modified_gmt":"2015-12-09T17:10:55","slug":"la-funzione-dellarte-nel-sociale-dichiarazione-di-lavoro-giovanni-spiniello-1977","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/www.alberovagabondo.it\/?p=2001","title":{"rendered":"La funzione dell’arte nel sociale. Dichiarazione di lavoro. Giovanni Spiniello, 1977"},"content":{"rendered":"
\"\"<\/a>Nel 1977, Giovanni Spiniello, che ha creato la scultura L’Albero Vagabondo, ideata da Virginiano, formalizz\u00f2 in questa dichiarazione la sua concezione della funzione dell’arte nel sociale. Era il punto di partenza e di arrivo di un percorso che aveva iniziato negli anni ’60 sulle aie dei contadini, facendo partecipare i bambini alle prime operazioni collettive di azione sociale. Erano le prime feste del colore.
\nE’ una dichiarazione ancora attuale e che ricorda le radici della nostra associazione, L’Albero Vagabondo, il cui scopo \u00e8 promuovere l’educazione, l’informazione e l’arte ambientale attraverso azioni collettive di arte nel sociale e le favole dello Spirito del Re Albero e della Rivolta delle Pecore.<\/em>
\nOperare in campo visivo per me non significa continuare una ricerca solipsistica del rapporto con il sociale, ma il fondersi tra ricerca di laboratorio e azione sociale. In questa visione prendono corpo gli interventi di animazione grafica e didattica popolare, azioni che assumono un valore di identificazione poich\u00e9 esse hanno come dimensioni di spazio luoghi depressi e costantemente dimenticati, paesi dell’entroterra irpino, le aie, dove da millenni si vive la realt\u00e0 concreta del lavoro dei contadini, che diffidenti mi guardano sorpresi perch\u00e9 offro loro pennelli, colori, rulli. Poi i bambini sono i primi a rompere il ghiaccio entusiasti di questo nuovo gioco, si danno a dipingere tutto e rilevare le orme dei tombini, elementi poveri e insieme composizioni geometriche pure Dipingono il suolo, gli alberi, le panchine, persino le automobili. Il coinvolgimento \u00e8 totale e l’estetica in queste azioni non \u00e8 pi\u00f9 il buon quadro, ma il risveglio di nuovi orizzonti per questi bambini abbandonati a s\u00e9 stessi ed alla strada. Di sfuggita guardano i manifesti che avevo affisso con la scritta “propriet\u00e0 privata: divieto di transito alla cultura”; i manifesti sono listati a lutto; un bambino mi domanda: ma la propriet\u00e0 privata \u00e8 morta? \u00c8 la domanda che contiene la risposta.
\nL’aia, la piazzetta, assumono una dimensione diversa: la d\u00e0 il colore che assume un significato di identificazione e la volont\u00e0 di cancellare il grigiore di sempre.
\nIo credo nella ricerca continua e concreta, nel lavoro di laboratorio come quello dei contadini nei campi, ma dichiaro che ogni conquista che si fa nell’ambito della propria ricerca (per quanto mi riguarda grafica) non deve diventare propriet\u00e0 privata (solo per gli addetti ai lavori): questo aspetto oggi mi sembra il pi\u00f9 pericoloso. Le mie monocalcografie colorate mi ricordano i fossili della libert\u00e0 dell’uomo di oggi. Derivano da esperienze di grafica in genere (acquaforte, acquatinta, litografia, fotografia).
\nA differenza dell’acquaforte tradizionale, che rispecchiava leggi precise – dalla preparazione della lastra, alle morsure e stampa della matrice in rame, con copie che stabiliva l’artista – le monocalcografie sono esemplari unici e non hanno nessuna matrice. Ogni elemento della realt\u00e0 viene da me dipinto e trasferito sulla carta per pressione, per cui ottengo le impronte fossili della composizione oggettuale, organizzata sul piano del torchio.
\nL’operazione di torchiatura continua come un atto esistenziale fino alla estinzione del colore. L’armonia cromatica e compositiva delle monocalcografie, tra l’altro, assume un valore di riproposta del vissuto e del rapporto uomo-natura, che va verso il dramma dell’inquinamento totale (da quello ecologico a quello politico).
\nAutodistruzione della propria identit\u00e0 umana.
\nDa questo nasce la necessit\u00e0 di imprimere ogni oggetto che dovr\u00e0 testimoniare la dimensione dell’infinito vissuto, il bisogno di potenziare il linguaggio grafico, il desiderio intimo di comunicazione che non si pu\u00f2 codificare e determinare in un campo con i suoi confini e i suoi limiti.
\nLa scelta degli oggetti non \u00e8 casuale poich\u00e9 a livello inconscio c’\u00e8 un appropriazione del valore estetico dell’oggetto fossile con il quale stabilisco sempre una intima comunicazione alchemica e gestuale.Giovanni Spiniello, Settembre 1977 <\/em>Per ulteriori informazioni consulta il sito di Giovanni Spiniello<\/a><\/p>\n\n\n\n \t
\n [Show as slideshow]<\/a>\n\t\t\n\t<\/div>\n\t\t\t\n\t\t\t\t